Música de raíces africanas en Brasil

by billyr ~ agosto 12th, 2008. Filed under: Etnomusicología, Materiales y surveys.

F11 – Full screen

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En Brasil hay dos tradiciones africanas predominantes y contradictorias. (1) La yoruba, plasmada en polirritmias o patrones rítmicos complejos y un esquema de canto con llamado/respuesta que no se adapta con facilidad a los modelos europeos. Esta es la línea de Ilê-Ayê, Filhos de Gandhi, Olodun. (2) La congo-angola o bantú, de ritmos binarios y un canto estrófico regular, similar al europeo; esta es la línea del umbanda o del candombe de Minas Gerais, el moçambique y el jongo, por ejemplo. No fueron a Brasil contingentes de Senegal, pues los traficantes portugueses en general no embarcaban de la isla Gorea. Faltan entonces en Brasil componentes malineses y mandingo que llevaron a América algunos de los componentes del blues. La abolición de la esclavitud en Brasil es la más tardía del mundo (1888).

En la práctica todo está bastante mezclado y es bastante más complejo. La MPB, sin embargo, está más cerca de la tradición congo-angola que de la yoruba. Muchos elementos africanos se han perdido o transformado; la marimba, por ejemplo, apenas se conserva en regiones muy aisladas. Con excepción de algunas intrusiones provenientes de Angola (semba) y Mozambique (marrabenta), la música popular africana contemporánea (highlife, soukous, etc) permanece desconocida en Brasil.

La totalidad de la colección se puede bajar estrictamente para estudio desde este enlace: Colección - Música de raíces africanas de Brasil (mp3, requiere password) (882) - 116.66 MB

1. Norte – Boi de pindaré (Maranhão) – Urrou

Hay varias especies de bumba-meu-boi o boi-bumbá, una danza popular con alguno que otro elemento totémico: boi de matraca, de zabumba, de pindaré, de orquestra. El de mayor influencia indígena es el primero, el de mayor raigambre africana el segundo. La parte más valorada son las “toadas de boi”, versos improvisados por los “amos de boi” y repetido por los coros de “brincantes”. Se supone que el boi-bumbá apareció en el siglo XVIII, cuando los ganaderos usaban mano de obra esclava; tradiciones africanas como el boi geroa se mezclaron entonces con corridas de toros. En el boi se representa el secuestro, la muerte y la resurrección del buey. Se cree que “bumba” viene de “zabumba”, el nombre de un bombo o tambor bajo. En la representación se usan maracas, panderos de casi un metro de diámetro, tambor onça (una especie de cuica), tamborinhos y zabumba (obviamente africano); mención especial merece el tambor de fogo, un tronco adecuado con un extremo cubierto por un cuero de buey sujeto por chavetas. La técnica de construcción es típicamente africana hasta el último detalle funcional u ornamental. El documento más temprano sobre el género es del fraile Lopes Gama, quien en 1840 describió la representación como “un montón de estupideces”. El boi bumbá fue adoptado en Nigeria (boi) y en Benin (burrinha), pero no es fácil conseguir registros de estos géneros de buena calidad y bien documentados. Hay un extenso documento antropológico de Maria-Laura Cavalcanti sobre el género en los materiales de este seminario. El urrou es un momento en que se celebra la resurrección del buey. La grabación es de la década de 1970.

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2. Norte – Carimbó: “Arué” – Conjunto Ajiruteua de Marapanim

El carimbó es una música muy simple, binaria, originada en el estado de Pará. Su nombre deriva del tambor de tronco hueco con que se toca. En uno de los extremos el tambor tiene un cuero de venado bien tenso, sin pelo. Se descuenta que el carimbó es de origen africano y se cree que ha sido una danza de trabajo. El percusionista se sienta sobre el carimbó tocando con ambas manos; usualmente se tocan de a pares, junto con instrumentos de viento y de cuerdas y las voces de los solistas y el coro. A veces se agregan otros instrumentos de percusión, como el xeque xeque (lata conteniendo semillas) y el reco reco, un raspador. Originariamente se usaba en la danza batuque, una ronda mixta. Poéticamente la estructura es variada, con tendencia hacia la prosa; cuando hay versos son de siete sílabas. En la grabación, de los años 70s, el carimbó está suplementado por flauta, clarinete y cavaquinho.

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3. Norte – Festa do divino Espirito Santo – Caixeiras de Da. Florinda

Es una fiesta católica con fuerte influencia africana. Su característica son las caixeiras, mujeres que llevan enormes cajas y cantas cánticos en honor del divino espíritu santo; otro rasgo es el “imperio”, una representación con personajes tales como el emperador y la emperatriz, actuada por niños. En la fiesta se levanta un mástil y se entonan cánticos y alaridos que acompañan a la coronación del Emperador. El registro muestra una cantante solista a la cual le responde el coro de mujeres, sobre la base de un ostinato rítmico. La grabación es de la década de 1970.

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4. Norte – Lundú – Conjunto “Embalo de Soure”, isla Marajó

Fray Bernardo Maria de Canecatim afirmaba que el lundú era “una de las danzas menos abominables” de Angola. De algún modo se convirtió en una danza de salón de Portugal y llegó a las elites del norte de Brasil hacia 1780, según se sabe por una carta de denuncia del gobernador de Pernambuco a la Inquisición. Hoy sólo se conserva en la isla de Marajó y en el bajo Amazonas. Usualmente se toca con tambores grandes tipo carimbó, tambores pequeños, onça, cavaquinho, guitarra, clarinete, violín y a veces pandereta. La grabación es anterior a 1976.

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5. Norte – Marambiré – Conjunto “Quem som eles” de Alter do Chão

El marambiré es una danza de parejas en 2/4 del bajo Amazonas, con alguna influencia africana o afro-indígena. Se cree que deriva del canto de congados. Se acompaña por carimbós, maracás, ganzás, banjos, cacetes y flautas. La grabación es de la década de 1970.

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6. Norte – Cantos Ketu para Osain – Informantes yoruba de Salvador

Estos cantos son comparables y semejantes a los registros yoruba de Trinidad y Cuba estudiados en este seminario. Intervienen un solista, un coro, dos tambores y una campana de metal. La estructura de la música es por completo afín a la música yoruba de Nigeria de la misma época. Está cantada en lengua yoruba o algo que se le parece. Se puede apreciar el patrón yoruba particular de llamado/respuesta y complejidad polirrítmica. La grabación fue realizada por Melville Herskovits entre 1941 y 1942.

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7. Noreste – Marcha de Procissão – Pífanos de Caruaru

Las bandas de pífanos se llaman de cabaçal en Ceará, Esquenta Mulher an Alagoas y terno o zabumba en Pernambuco. Son orquestas rústicas con flautas y algo de percusión; supuestamente tienen origen español y luego portugués. El ritmo que se escucha en la grabación es indiscutiblemente afro y el sonido de las flautas se asemeja al de sus equivalentes malinké. Probablemente haya que buscar el origen de estas modalidades nordestinas en las mismas músicas en que se origina el repertorio de gaitas de la costa atlántica de Colombia. El ritmo se parece al de muchos otros de América Latina. La grabación es de la década de 1970.

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8. Noreste – Forró: “Forró de Mané Vito” – Luis Gonzaga

Pocos géneros han tenido tanto impacto nacional como el forró del noreste, un baile que se extendió a las fiestas en buena parte del país. Luiz Gonzaga (1912-1898), llamado “rey del baião” ejecuta esta píeza de 1949, con ritmo de baião. El forró auténtico, que consiste en distintos ritmos como el xaxado, el xamego, el xote, el côco, el arrasta-pés y el baião, se ejecuta sólo con zabumba, triángulo y sanfona (o sea acordeón de 8 bajos). Tiene algún aire de familia con la música vallenata. Se considera que es de origen triple: europeo por las melodías, indígena por las flautas y africano por la base rítmica. Hoy en día está electrificado.

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9. Noreste – Frevo de rua: “Ai vem os palhaços” – Banda Municipal de Recife, dir. Ademir Araújo

El frevo es una música festiva de marcha de la región de Pernambuco que combina modinha, dobrado militar, habanera, quadrilha, polca, maxixe. Se origina en salones y tradiciones de raigambre europea y sólo está débilmente afectado por alguna forma de tradición afro. Se incluye en este seminario porque algunos elementos de frevo entraron en la gestación del samba primitivo (ver banda 14). La grabación es de la década de 1970.

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10. Centro – Baião [sin nombre]: Banda de Couro de Pirenopolis, Goiás

El baião de la región de Pernambuco se origina en polcas, mazurkas, chotís, cuadrillas y demás danzas europeas, con el agregado de flautas indígenas y percusión africana. Es una música de acordeón o clarinete en ritmo binario y modo menor. Existe desde el siglo XIX pero fue impuesto a nivel internacional por Luiz Gonzaga, quien hizo las primeras grabaciones en la década de 1940. El primer baião famoso fue “Delicado”, tocado por Stan Kenton y Percy Faith; el “Baião de Ana” fue también una famosa imitación europea. Ha dado lugar a otros géneros como el forró, el côco y la embolada. La grabación es de la década de 1970.

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11. Delicado – Waldir Azevedo [1923-1980]

Primer baião famoso en el mundo entero. Grabado por Stan Kenton, Percy Faith, Ray Conniff y otras bandas de swing. Waldir fue el más popular artista del choro y virtuoso del cavaquinho, que en 1947 compone “Brasileirinho”, el mayor éxito de la historia del género, grabado por Carmen Miranda y, más tarde, por músicos de todo el mundo. Waldir Azevedo fue un pionero que retiró al cavaquinho su papel de mero acompañante y lo colocó como instrumento solista, explorando de forma inédita las potencialidades del instrumento.

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12. Baiao – Luiz Gonzaga

Uno de los clásicos del género.

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13. Baião de Ana – Silvana Mangano [1930-1989]

Este es un ejemplo de invención cultural. Forma parte de la película Arroz Amargo (Giuseppe de Santis, 1948). Con Vittorio Gassman, Raf Valone, etc. La parte hablada fue doblada por Lydia Simoneschi, quien también doblaba a Sofia Loren (y más tarde a las películas de Disney). La parte cantada no estuvo a cargo de Silvana Mangano sino de Flo Sandon’s.

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14. Chega o reio (Lundú) – Terno de Folia de Reis de Alto Belo

Texto provisorio:

The Lundu, originally a dance done by African slaves in Brazil, also gained popularity among the white middle class and upper crust and became Brazil’s first national dance. A flirtatious couple dance, usually accompanied by a guitar, but sometimes a thumb piano or drums, Lundu is related to the Spanish fandango and other new-world dances like the Argentine Zamba, Cueca and Bolero – they all involve, to some degree, handkerchiefs, castanets, and holding ones’ arms above their heads.

O lundu veio para o Brasil com os negros de Angola, por duas vias, passando por Portugal, ou diretamente da Angola para o Brasil.

Em Portugal recebeu polimentos da corte, como o uso dos instrumentos de corda, mas fora proibida por D. Manuel ao ser “contrária aos bons costumes”. Já a vinda direta da Angola para o Brasil recuperou o acento jocoso, mordaz e sensual que incomodara a sociedade lisbonense.

Aparece no Brasil no século XVIII como uma dança sem cantoria e de “natureza licenciosa”, para os padrões da época. Nos finais do século XVIII, presente tanto no Brasil como em Portugal, o lundu evolui como uma forma de canção urbana, acompanhada de versos, na maior parte das vezes de cunho humorístico e lascivo, tornando-se uma popular dança de salão.

Durante todo o século XIX, o lundu é uma forma musical dominante, e o primeiro ritmo africano a ser aceito pelos brancos. Neste período, surgem os mais importantes compositores que representam esta forma musical e a viola é adotada entre os instrumentos de corda utilizados.

O lundu sai de evidência no início do século XX, mas deixa seu legado, pricipalmente no que tange ao ritmo sincopado, no maxixe (outro forma musical híbrida urbana que também deve suas origens à polca e à habanera). Musicólogos defendem que no lundu, como o primeiro ritmo afro-brasileiro em formato de canção e fruto de um sincretismo, está a origem do samba, via o maxixe, mas há controvérsias quanto a esse ponto.

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15. Lundú maracatú – Banda de pífanos

Variante del estado de Pernambuco.

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16. Samba malató – Nicomedes Santa Cruz [1925-1992]

Aunque a Perú llegaron negros del Caribe y de Chile, las tradiciones musicales se perdieron hasta el tardío revival de 1950-1970. Grabación de 1964 (Cumanana). Después de influencia por viaje a Brasil. Incluye una parte de presunto lenguaje africano.

“Arambucurú, e loñá loñá, a la recolé, uborequeté, babalorichá, arambucurú, oyo cororó, oyo cororó, a la mucurú, loñá, loñá, a la recolé, e kiri kiri, babalorichá, e mandé mandé, oyo cororó, oyo cororó, arambucurú… landó!”

Grabaciones posteriores (“Ritmos negros del Perú”) omiten esos versos.

Perú Negro es otro conjunto importante en la música afroperuana recreada. Su pieza esencial es el Canto a Elegua, del cual hay ejemplares en Brasil, Cuba y Trinidad.

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17. Choro – Guayanazes – Chiquinha Gonzaga [1847-1935]

Es un género mixto que surgió entre músicos urbanos negros a mediados del siglo XIX (con pico en 1875). La base rítmica es de maxixe y polka, las melodías se basan en las modinhas.

Grabado en los primeros años del siglo XX.

Chiquinha fue la primera mujer directora de orquesta y banda de Brasil.

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18. O abre alas – Chiquinha Gonzaga

Chiquinha fue autora de esta, la primera marcha carnavalesca (1899), similar a un tango; fue famosa en version de Carmen Miranda.

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19. Centro – Catira [sin nombre] – Catireiros de Nova Odessa

También llamada cateretê es una danza amerindia que alcanzó Africa (Angola) ya en el siglo XVII, pero que tiene pocos o ningún componente africano. No hay ninguna descripción hasta el siglo XIX, sin embargo. Se conoce en los estados de São Paulo, Rio y Minas Gerais. Algunos compositores urbanos utilizan eventualmente ritmos de catira. En la grabación se escuchan guitarras, palmoteos y ritmos de zapateado con alguna sugerencia andaluza, interrumpidos por algunos versos en coro armónico. La grabación es de la década de 1970.

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20. Centro – Moçambique [sin nombre] – Companhia de Moçambique Divinópolis, Minas Gerais

El moçambique era un ritual mortuorio que incluía diversos cantos y danzas. Se lo practica en los estados de São Paulo, Minas Gerais, Mato Grosso y Goiás, hoy vinculado a fiestas religiosas católicas. Fue en su momento una manifestación africana, pero según Câmara Cascudo, ya no sobrevive en ella ningún elemento original. No existe en Mozambique ninguna ceremonia con ese nombre o esas características. Los cantos se acompañan con tambores y palmas y están a cargo de compañías de moçambique afines a las escolas de samba. La grabación es de la década de 1970.

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21. Centro – Ponto de Jongo – Clementina de Jesus

El jongo es una danza angoleña que se considera una variedad de samba. Tiene la misma distribución geográfica que la catira. Constituye una de las manifestaciones más puramente africanas de la música de Brasil. Es una danza en ronda con contorsiones y zapateados acrobáticos. El acompañamiento se hace exclusivamente con instrumentos de percusión, pequeños tambores llamados “tambores de jongo”; a veces el que canta sacude un par de sonajas. En su origen sólo era bailado de noche, y sus intérpretes se supone tenían grandes poderes mágicos. El ejemplar está cantado por Clementina de Jesus, una intérprete popular excepcional, nacida en 1900 y fallecida en 1987, que ha frecuentado géneros tradicionales poco conocidos; Clementina fue sensación en Senegal en los primeros festivales de música negra en 1966. Nadie conoció como ella las raíces del samba, los cantos de trabajo, las músicas yorubas, el batuque, el candomblé umbanda. Su último disco consiste en cantos de esclavos (vissungos) laboriosamente reconstruidos, un caso único en el mercado musical de Brasil. La grabación que aquí se escucha es de la década de 1970.

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22. Centro – Samba: “Pelo telefone” – Almirante, Pixinguinha e Velha Guarda

Este samba fue el primero que se grabó en 1916 (o 1917, según las fuentes). La letra ironiza sobre la corrupción de los funcionarios policiales ante el juego ilícito en la Pequeña Africa, el enclave bahiano en Rio de Janeiro que se constituyó en la primera favela. Es muy distinto de los sambas mediáticos, mucho más percusivos y estereotipadamente afro. En el carnaval de 1917 se consideraba que esta pieza era un tango, lo que obliga a pensar un poco sobre la identificación de los géneros. Quien primero la grabó fue Baiano, en un disco de la célebre Casa Edison. Pixinguinha (1897-1973) fue un intérprete destacado de choro y samba. Su grabación es de 1955. Se cree que el nombre del samba deriva del semba de Angola, una especie de ombligada.

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23. Aquarela do Brasil – Ray Conniff [1916-2002]

Texto provisorio:

Also known in English-speaking countries simply as “Brazil”, is one of the most popular Brazilian songs of all time, written by Ary Barroso on a rainy night in 1939. It was first recorded by Aracy Cortes later that year. This song marked the creation of a new genre, the samba-exaltação (Exaltation Samba), which was looked upon favorably by the nationalist dictatorship of Getúlio Vargas. Some people have suggested that the composer was kowtowing to the Vargas regime, although the Barroso family strongly denies it, and Ary Barroso is known to have written at least one anti-fascist song, “Salada Mixta,” recorded by Carmen Miranda in October 1938. The song has been successful through the years and has been played in many different styles, from a cappella to orchestral arrangements.

La grabación de Conniff es de 1960.

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24. Marrabenta Star – Elisa Gomara Saia (Mozambique)

Texto provisorio:

Marrabenta is a form of Mozambican dance music. It was developed in Maputo, the capital city of Mozambique, formerly Laurenco Marques. The name was derived from the Portuguese rebentar (arrabentar in the local vernacular), meaning to break. Marrabenta is influenced by Mozambican and Portuguese folk music and the Western popular music. The earliest marrabenta artists include Fany Pfumo and Dilon Djindji, who started his career in 1939. Marrabenta became popular in 1980s with bands like Eyuphuro and Orchestra Marrabenta Star de Moçambique. The Mozambican band Mabulu mixes rap and marrabenta together.

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25. Bonga: Uengi dia ngola – Angola (Semba)

Texto provisorio:

Semba is a traditional type of music from the Southern-African country of Angola. Semba is like most genres of african music is highly influenced by Kompa (music of Haiti). Semba is the predecessor to a variety of music styles originated from Africa, of which three of the most famous are Samba (from Brazil), Kizomba (Angolan style of music derived directly from Zouk music) and Kuduro (or Kuduru, energetic, fast-paced Angolan Soca music, so to speak).

Barceló de Carvalho, the Angolan singer popularly known as Bonga, is arguably the most successful Angolan artist to popularize Semba music internationally; it generally being categorised as World music.

The subject matter of Semba is often a cautionary tale regarding day-to-day social events and activities, usually sung in a witty rhetoric. Through Semba music, the artist is able to convey a broad spectrum of emotions. It is this characteristic that has made Semba the premiere style of music for a wide variety of Angolan social gatherings. Its versatility is evident in its inevitable presence at funerals and, on the other hand, many Angolan parties.

Semba is very much alive and popular in Angola today as it was long before that country’s independence from the Portuguese colonial system on November 11, 1975.

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26. Adoniran Barbosa [1910-1982] – Vila esperança

El más importante sambista de São Paulo. Mantuvo el género lejos de los excesos edulcorados del samba-canção. Hijo de inmigrantes italianos. Esta pieza crepuscular es una de las más bellas de todo el repertorio.

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27. Adoniran Barbosa – Iracema

Con Elis Regina [1945-1982]. Grabado poco antes de la muerte de ambos [Elis a los 36]. Menciona la avenida São João. Es uno de los textos más patéticamente divertidos del amplio cancionero de Barbosa.

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28. Sur – Cacumbí [sin nombre] – Capitão Francisco Amaro, Santa Catarina

El cacumbí o ticumbí es una danza afro-brasilera llamada también baile de los Congos, que no debe confundirse con las congadas. Representa un enfrentamiento entre dos naciones africanas, Reis do Congo e Reis Bamba. Se danza en homenaje a S. Benedito y a Nossa Senhora do Rosário, protectores de los negros, en el interior de las iglesias. El grupo de danzas está formado por diez “marinheiros” y un capitán; este “puxa” un canto improvisado que es respondido por el coro. Se acompaña por panderos, tambores y sonajas de lata (ganzás) que ejecutan varios ritmos. En el pasaje grabado hay una disputa entre marineros y capitán por la paga de su ración. La grabación es un registro de campo de la década de 1970; hay una leve falla de origen al final de la pieza.

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29. Gaúcho da Fronteira – Vanerao sambado

Texto provisorio:

Vanerão é um tipo de dança típica nos estados do Sul do Brasil, notadamente entre os gaúchos do Rio Grande do Sul. Assim como a vanera e a vanerinha, nasceu de uma alteração da habanera. Ao lado do chote, do bugio e do fandango, tornou-se uma das danças mais populares do Rio Grande do Sul.

Gaúcho da Fronteira, nome artístico de Heber Artigas Fróis, (Santana do Livramento, 23 de junho de 1947) é um músico brasileiro, e um dos mais conhecidos intérpretes de música regional gaúcha. Começou a tocar violão, acordeão e bandoneón na infância. Em 1968 entrou no grupo Os Vaqueanos, com quem gravou alguns discos. Em 1975 gravou o primeiro LP solo, Gaúcho da Fronteira, e firmou-se como um representante da tradicional música dos pampas.

Nos anos 80, sua popularidade estendeu-se pelo Brasil todo, com suas canções bem-humoradas e dançantes. Na década de 1990 voltou-se para outras manifestações musicais tradicionais brasileiras, lançando em 1999 o CD Forronerão, ao lado do grupo Brasas do Forró, unindo o folclore brasileiro de um extremo a outro do país. Deste disco emplacaram os sucessos “Forronerão”, mistura de forró e vanerão, e “Vanerão Sambado” que, como o nome sugere, mistura vanerão com samba. O maior sucesso de sua carreira foi Nhecovari Nhecofum.

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30. Sur – Milonga: “Milonga del contrabando” – Luis Menezes (RGS)

La habanera, el tango andaluz, el tango criollo, la milonga, el maxixe y el candombe tienen el mismo ritmo binario de 2/4, aunque con distintos acentos. Algunos autores han sugerido similitudes con patrones rítmicos del congo. Este ejemplar de milonga de Rio Grande do Sul muestra ostensibles influencias argentinas. La grabación es de la década de 1970 y el intérprete es un músico profesional.

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Las colecciones que integran esta serie son:

01 – La música popular de Ghana

02 – La música popular del Congo

03 – La música popular de Nigeria, parte 1

04 – La música popular de Nigeria, parte 2

05 – La música popular de Senegal

06 – Música de raíces africanas en Colombia

07 – Música de raíces africanas en Brasil

08 – Música de raíces africanas en Jamaica

09 – Música de raíces africanas en Estados Unidos

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